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Según esta relación dialéctica entre la vida y la muerte que resalta Viola, ¿se podría decir que la llegada del vídeo y las imágenes contradice, o mejor dicho, contrasta con esta obra? En el sentido de que ahora existen formas de registrar la realidad, en el mundo dominado por las imágenes en el que vivimos ¿ha cambiado nuestra relación con la finitud de la vida? O incluso yendo más allá, ¿se podría decir replantea la cuestión espacio-tiempo?

Una vez más nos encontramos con el vídeo como memoria humana, pero también como historia. ¿Este vídeo resignifica el pasado en cuanto su historia? ¿o es que acaso el presente es visto de otra manera gracias a las huellas que deja la historia?
También me surgen preguntas sobre la voz que da las direcciones ¿es esta usada sólo como guía o también tiene un peso fundamental que ayuda a la imagen a meterte en el recorrido visual?

Viola en esta obra coloca dos pantallas de vídeo una en frente de la otra (sin tocarse) que reproducen, por un lado, el fallecimiento de su madre y por el otro, el nacimiento de su hijo. Ambas pantallas se reflejan entre sí, con esto creo que quiere hacer referencia al ciclo de la vida que une a todos los seres vivos. También me parece que es una forma muy "cruda" de mostrar la realidad y choca un poco por lo sensible que es el tema de la muerte, que hasta para algunos es un tema que si se toca produce un ataque de pánico. Sin embargo, es una obra muy bien pensada que, aunque sea un poco morbosa, deja impacto.

Me pareció muy interesante el vídeo de Cardiff y Miller, lograron que se sintiera incluso como un videojuego el camino que marcaban, esto debe ser por la colocación de la cámara que está casi a la altura de los ojos, así es como se logra el efecto que es el espectador el que está caminando por la estación. También es muy interesante la fusión que sucede entre el pasado y el presente, la fantasía y la realidad, gracias a que el recorrido se esté haciendo en el mismo lugar que el vídeo que se muestra en el celular. Además ayuda mucho la perspectiva en la que está grabando el sujeto que sostiene la cámara, esta logra el efecto de que pareciese que lo que se muestra en la pantalla del celular sean eventos que están pasando en ese mismo momento y lugar, teniendo estos tanta presencia, o incluso más, que las acciones que están pasando alrededor. Y así se crea una experiencia dinámica que ciertos espectadores han llamado como "cine físico".

- Alter bahnhof - video walk (Janet Cardiff and George Bures Miller, 2012)

- Laboratorio de invención social (Gabriela Golder, 2017)

- Heaven and earth (Bill Viola. 1992)

-Time delay room (Dan Graham, 1971)

¿Quién tiene el rol del espectador? Si el observador pasa a ser el sujeto observado, ¿qué pasa entre la relación de obra-espectador?
¿Ya vimos que el cuerpo del artista puede ser el objeto de arte también, esto aplica lo mismo con el espectador?

Esta obra juega con el espectador siendo observado. Se presenta una habitación dividida en dos donde, por un lado, la audiencia A puede ver en un monitor a la audiencia B (que está del otro lado de la pared), mientras que en el segundo monitor puede verse a si mismo, pero con 8 segundos de retraso. Lo mismo sucede en la parte de la sala de la audiencia B. Con este juego de cámaras, delay y pantallas, el espectador de un lado puede observar lo que sucede en la otra parte de la habitación mientras que se puede presenciar a si mismo con retraso. Dejándole en una especie de trance donde no puede parar de observar los monitores.

Frank, Peter, “Las instalaciones de videoarte: el entorno televisivo”, en Primera generación. Arte e imagen en movimiento (1963-1986) [cat.exp.]. Madrid: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006.

- ¿Cómo podemos hacer los artistas para "activar" al espectador pasivo que se ha formado por el bombardeo de sensaciones visuales y auditivas gracias a la TV?
- ¿Es suficiente con que la razón del vídeo sea el espectador?
-¿Cómo hacemos para trazar los bordes entre el vídeo y la realidad si este sugiere la existencia de un mundo de vídeo fuera de la pantalla gracias a su carácter sensorial?

TV Buddah (Nam June Paik, 1974)

Lo que me parece interesante de esta obra son las distintas interpretacones que se me ocurren, por un lado está el pasado-presente-futuro, por otro lado el narcisismo, la dualidad estatua-televisión, lo occidental con lo oriental, e incluso podría decir que es una forma que tiene Paik para ponerle un valor con más significado (un valor cultural) a la televisión, que para él sólo muestra un contenido superficial y vacío.

¿Está obra se trata de autorreflexión o de narcisismo?
¿Qué tipo de tensiones se generan entre el material tradicional, como lo es un objeto esculpido, contra el material tecnológico, como lo es la televisión? ¿Aquí la televisión se muestra como un reflejo de uno mismo en un "futuro" dominado por la tecnología o más bien es una revalorización de la televisión, que llega como un nuevo recurso que puede usarse de distinta manera?

Este vídeo ya no va por el camino de la memoria como otros que vimos antes, sino por el deje de la huella, lo que quedó atrás, ¿en ese sentido cómo verán las personas que siguen viviendo en esos lugares abandonados esta instalación? En ellos puede afectar el sentimiento de lamento y melancolía que inunda la sala, ¿pero no se sentirán aún más excluidos por la sociedad con esta obra?
¿Si la obra estuviera más apuntada a "Necesitamos que el estado les de una mejor vida a estas personas" en vez de a "Que pena que terminará así el lugar, pero nada se puede hacer", se podría volver una especie de activismo?

Es interesante la forma en que está pensada esta instalación en cuanto a la preparación de los vídeos, la sincronización y el sonido. La obra muestra zonas del norte de Estados Unidos donde antes vivían familias, pero que después de un sísmico poco a poco terminaron abandonando la zona muchos, y no podríamos decir que fuera sólo por este evento que sucedió, sino que estos lugares ya no eran zonas donde se pudiera vivir una buena vida, se volvieron "casas fantasmas", una zona marginada de la sociedad donde más que nada quedan agricultores viviendo en ella. La obra te hace un recorrido por todas estas zonas de "lamento" donde se muestran las huellas de un lugar olvidado y los movimientos migratorios por los que pasó.

¿Por qué el artista decidió poner doble vídeo? ¿Si se mostrará un sólo vídeo seguiría siendo video arte o ya estaríamos hablando de una especie de documental?
Pensando en lo político del vídeo, ¿ es posible hacer una obra artística que no sea política? No me refiero a que trate un tema sumamente político, sino más bien a como la política influye en nuestras vidas, experiencias y formas de expresarnos, tanto así que me parece difícil poder hacer una obra que no esté influenciada por ella.

Esta obra muestra relatos de trabajadores que recuperaron sus lugares de trabajo, las fábricas. Se cuentan experiencias de trabajo y de pérdida de trabajo, mientras al lado de la persona sentada que está hablando, se van mostrando vídeos e imágenes de los trabajadores laburando. También cuando termina la narración de una persona está es cortada por vídeos de las máquinas funcionando. No sé si esto fue usado por una cuestión estética, en cuanto a los movimientos y sonidos mecánicos, o se intenta hacer una especie de comparación entre los vídeos donde trabaja la clase obrera (punto de vista de los compañeros de trabajo) y los vídeos donde sólo trabaja la máquina (punto de vista del patrón que cree que sus trabajadores pueden ser reemplazados por una máquina, y que por lo tanto, no le cuesta deshacerse de ellos).